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Balzac avait déjà dans Eugénie Grandet traité de la paternité et de l’importance de l’argent. On y voyait l’avarice du père Grandet côtoyer la générosité de sa fille, l’or triomphé des sentiments et la pureté finalement vaincue. Les thèmes réapparaissent dans Le Père Goriot et si l’approche ainsi que les retombées sont différentes, il n’en reste pas moins que la paternité comme l’argent restent les deux grands moteurs de l’histoire.
Goriot est père, Goriot est deux fois père, Goriot est le père eternel. Il est celui dont la vie ne tourne qu’autour du bonheur de ses deux filles : Anastasie et Delphine qu’il idolâtre. L’argent, quant à lui, est ce qui décrit les jeunes femmes. Il les motive, les définit. Pour arriver dans le monde, s’en faire accepter et entretenir leurs amants de cœur, elles n’hésitent pas à saigner leur père, le réduire petit à petit à la mendicité et finalement à le faire mourir.

Un autre personnage tisse le lien funeste entre père et filles, Eugène de Rastignac. C’est un jeune homme ambitieux, provincial noble et désargenté. Il monte à Paris pour y faire son droit, mais surtout pour y faire bonne fortune et devenir quelqu’un. Encore innocent car non exposé au vice, il se propose d’apprendre très vite les roueries du Faubourg Saint Germain, conscient de devoir en passer par là pour arriver dans la vie. Il devient le confident de sa cousine, madame la vicomtesse de Beauséant, reine des salons parisiens, qui l’introduit dans le monde ; devient le protégé d’un ancien forçat évadé, Vautrin alias Trompe la mort puis enfin l’amant de la belle Delphine de Nucingen. L’ascension sociale comme dans Bel Ami de Maupassant se fait par les femmes. Peu de place est faite ici pour les vrais sentiments qui finissent enterrer dans les campagnes ou railler en place publique. Madame de Beauséant, véritablement éprise de son amant, le marquis d’Ajuda-Pinto en fait les frais. Trahie, délaissée puis raillée elle fuit le monde et cache sa douleur en province.

Le vice vainqueur de la vertu est un thème proprement balzacien. Il est amplement développé dans le personnage de Goriot qui incarne la bonté sacrifiée. L’amour du père pour ses filles, poussé à l’extrême, est pathologique et remplace la monomanie du Père Grandet pour l’argent. Elles sont ses pièces d’or, tout son trésor -celui pour lequel il sacrifie sa fortune, son honneur et sa vie.

A soixante neuf ans et après avoir richement marié ses deux filles, l’ancien vermicellier Goriot, prend un appartement à la pension Vauquer tenue par la veuve du même nom. Encore bien portant, il attire au début l’attention de la veuve, à l’affut d’un possible prétendant. Très vite l’intérêt tourne court. Les pensionnaires sous la houlette de madame Vauquer rabaissent Goriot à mesure que sa bourse se vide car chaque visite de Delphine et Anastasie équivaut à une nouvelle demande d’argent pour alimenter les frivolités des jeunes femmes. Goriot troque son logement pour un autre moins confortable puis finalement pour une chambre délabrée dans les combles du bâtiment. De façon paradoxale, plus ses moyens financiers et sa reconnaissance sociale baissent et plus il monte les étages de la sombre pension.

Rastignac prend en pitié Goriot, bientôt surnommé dans la pension par condescendance « le Père » Goriot. Eugène est tiraillé entre son inclination pour Delphine et sa compassion pour le bonhomme exploité par tous. De façon similaire il oscille entre l’appel de la vertu incarnée par sa famille (mère et sœur) en province et l’attrait du vice dans la personne de Vautrin. Tel Méphistophélès voulant s’emparer de l’âme de Faust Vautrin cherche à corrompre le jeune homme et le faire tremper dans une sordide affaire de duel qui lui permettra finalement d’épouser une pauvre mais riche héritière de la pension, Victorine Taillefer. Vautrin ne pourra pas jouir des résultats de son complot. Repairé par la police, il tombe dans un traquenard mené par une des pensionnaires, Mademoiselle Michonneau. Celle-ci permet son arrestation en faisant tomber le masque du bon bourgeois et en révélant sa véritable identité de forçat évadé et de voleur de grand chemin.

Si nombre de personnages ont une psychologie fouillée et jouent un rôle important dans le roman (pour exemple Vautrin), Rastignac n’en reste pas moins la véritable clef de l’intrigue, le point névralgique de l’œuvre – celui vers lequel convergent tous les intérêts et autour duquel tout se resserre. Là encore, rien de nouveau dans cette technique. Bien souvent les romans de Balzac mettent l’accent dans leur titre sur un personnage précis, le père Goriot, Eugénie Grandet, la Cousine Bette, ou même Madame de Morsauf alias Le lys dans la Vallée. Le roman, lui, choisit souvent de mettre ces héros éponymes en lumière grâce à l’aide d’un second personnage dont l’ampleur grandit au fil des pages au risque même de supplanter le soi-disant personnage principal. Dans Le père Goriot, il s’agit de Rastignac et de son apprentissage de la vie (éducation à la fois sociale, politique et sentimentale) ; dans Eugénie on pense au Père Grandet, dans Bette à la terrible Valérie Marneffe et dans Le Lys à Félix de Vandenesse.

Rastignac, tout comme Félix de Vandenesse, n’est ni entièrement méchant, ni foncièrement bon. Ainsi il continue à voir et aimer Delphine en dépit de l’ingratitude notoire de celle-ci envers son père, il consent aussi par passivité et faiblesse au pacte proposé par Vautrin. En revanche il reste, avec son ami Bianchon, étudiant en médecine, au chevet du père Goriot agonisant ; il l’accompagne dans ses derniers moments, et enfin suit seul le cercueil du bonhomme vers le cimetière du Père Lachaise.

Goriot, quant à lui, n’est envisagé que sous l’angle de la générosité et du sacrifice, voire même peut-être de la bêtise. Son obsession paternelle lui fait accepter toutes les servitudes et tortures. Comme le saint des Evangiles il se laisse percer de flèches et n’accède à la béatitude que par le renoncement et l’acceptation de la douleur.
Une dernière lance mettra fin à son martyr. Delphine et Anastasie, dans une scène mélodramatique, s’entre-déchirent sous ses yeux comme des rapaces pour savoir laquelle des deux arrivera à arracher le plus d’argent au vieil homme. A bout d’énergie et effrayé par tant de violence, Goriot fait une apoplexie. Après une longue agonie, il s’éteint, seul et sans ses chères filles qu’il réclame en vain mais qui lui préfèrent un bal du Faubourg Saint Germain.

Le Père Goriot est un roman fondateur, il développe un grand nombre de thèmes et de personnages qui réapparaissent ensuite, à maintes reprises, dans la Comédie Humaine. C’est aussi, comme Balzac lui-même l’avait décrit, un roman de mœurs qui montre Paris en contraste avec la province, décrit salons, politique et époque. Enfin c’est le roman d’une société souvent sans cœur, volontiers amorale où Bien et Mal s’affrontent toujours et où ne triomphent que les plus forts.

Un an avec Balzac s’achève et les quatre romans majeurs proposés : Eugénie Grandet, Le Père Goriot, Le lys dans la Vallée et La Cousine Bette donnent un avant goût des quatre-vingt dix autres à peine évoqués. Que nous reste-t-il ? Un fourmillement d’idées, de passions, de contradictions, l’impression d’avoir assisté à la création d’un monde, c’est-à-dire dans ce qu’il a de plus et de moins beau, dans toutes ses facettes et sa complexité.
Et il nous reste surtout une envie, celle de poursuivre la lecture de l’œuvre à travers tous les autres romans, nouvelles, essais dont regorge la Comédie Humaine. Bonne lecture et bonne continuation!

Ecrivain, homme politique, militant, déporté, survivant, polyglotte, traducteur, philosophe, poète, scénariste, etc. les étiquettes sur Semprun sont nombreuses. Le choix est difficile, car dans chaque domaine il se distingue. A l’intellectuel brillant fait face un homme d’action et de courage qui adhère au parti communiste, survit aux camps de concentration, combat Franco, et prend position en tant que ministre de la culture en 1988, dans le gouvernement socialiste de Filipe Gonzalez.
Madrilène de naissance, il adopte très vite le français comme langue d’usage et de plume, parle en plus de l’espagnol et du français, couramment l’allemand et aussi l’italien. A la fin des années 30 il est étudiant en philosophie à Paris ; il est arrêté et déporté en 1943 en Allemagne dans le camp de Buchenwald.

La littérature et particulièrement la poésie lui permettent de survivre au Mal et de revenir de l’enfer. Dans L’écriture ou la vie (si fort, si beau) il relate cette douloureuse traversée des ténèbres « sensation soudaine, très forte, de ne pas avoir échappé à la mort, mais de l’avoir traversée. D’avoir été, plutôt, traversée par elle. De l’avoir vécue, en quelque sorte. D’en être revenu comme on revient d’un voyage qui vous a transformé : transfiguré, peut-être ». Son écriture devient le lieu de mémoire, le moyen à la fois d’échapper à son passé comme de s’y replonger et de s’y perdre. Le grand voyage refait ainsi le chemin fatidique qui le conduit de l’arrestation à l’arrivée au camp, décrit son expérience concentrationnaire, celle des hommes, aculés dans leurs dernières limites.

Auteur prolixe de romans, d’essais et de scénarios de films (ex. L’Aveu de Costa-Gavras en 1970 avec Yves Montand dans le rôle principal), il publie l’année dernière son dernier roman intitulé Une tombe au creux des nuages qui regroupe des réflexions sur la mémoire, la judéité et la politique – pensées recueillies à partir de conférences données en Allemagne de 1986 à 2005. Le titre est un écho au célèbre poème de Paul Celan Todesfuge (Fugue de mort) « Dann steigt ihr als Rauch in die Luft / dann habt ihr ein Grab in den Wolken da liegt man nicht eng – Alors vous montez en fumée dans les airs /alors vous avez une tombe au creux des nuages on n’y est pas couché à l’étroit » et fait bien évidemment allusion à l’extermination massive des juifs, à leurs incinérations. On suit ces nuages de fumée « sur les monts de Thuringe, au loin. Le paysage en somme, éternel, qu’avaient dû contempler Goethe et Eckermann lors de leurs promenades sur l’Ettersberg. (L’écriture ou la vie)

Très cultivé, Semprun illumine son œuvre de références et citations aux philosophes, poètes et écrivains de tout bord. Ils conversent avec intelligence et humanité avec son lecteur, s’interroge, nous pose des questions et nous permet d’appréhender le monde à travers d’autres regards. C’est ainsi grâce àSemprun que j’ai véritablement découvert René Char, si cher à l’écrivain, et qu’il citait fréquemment. Sous sa plume et venant éclairer la noirceur de ses textes, on trouve des éclats de lumière tels que « J’ai pesé de tout mon désir / Sur ta beauté matinale » ou bien encore « Beauté, je me porte à ta rencontre dans la solitude du froid. / Ta lampe est rose, le vent brille. Le seuil du soir se creuse » (René Char).

Un monde volontairement peuplé de citations pour mieux en comprendre sa complexité, on passe du français à l’allemand (langue qu’il continue à aimer, malgré tout), à l’espagnol, à l’italien. Car au fond et comme il le disait lui-même avec les vers de Cesar Vallejo « Me gusta la vida enormemente».

Un grand homme, une grande œuvre.


Un rappel des festivités culturelles pour la semaine prochaine….Pierre Assouline, l’auteur notamment du livre Le dernier des Camondo ainsi que du blog La République des livresconsacré à l’actualité littéraire est à l’Alliance Française de Chicago, une aubaine et une chance à ne pas laisser passer !Alliance Française de Chicago, jeudi 5 mai 2011 à six heures trente – conversation en français et en anglais.

Into Great Silence, le titre anglais du documentaire de Philip Groening, cerne sans doute mieux les presque trois heures de projection que ne le fait le titre allemand d’origine Die grosse Stille ou bien les titres français Le grand silence, italien Il grande silencio ou espagnol El gran silencio – tous si proches de la structure allemande. Car il ne s’agit pas seulement de silence mais bien plutôt de l’expérience qui consiste à tomber dans ce silence. Into great silence montre ainsi un cheminement plus qu’un simple constat. Il faut épouser le rythme monotone de la vie des Chartreux, ordre cartésien fondé par Saint Bruno en 1084, pour comprendre et se laisser prendre, pour tomber enfin dans ce puits de silence et d’apparent néant qui seul ouvre, selon les moines, les portes de l’infini et la voie vers Dieu.

L’expérience est cathartique, purifiante et si la longueur du « film », son côté lénifiant, peut aisément faire sombrer par moments dans le sommeil (mea culpa) ; le son des cloches est là pour rappeler le spectateur à la réalité, tout comme les moines à la prière. Elles ponctuent le silence, scandent le rythme des journées.

C’est en 1984 que Groening demande l’autorisation de filmer la vie au monastère de la Grande Chartreuse, situé dans les Alpes françaises (entre Grenoble et Chambéry). Seize ans plus tard – soit une durée à l’image du temps monastique – les moines répondent au réalisateur et l’autorisent à passer six mois parmi eux. Sans moyens techniques sophistiqués, sans éclairage supplémentaire, muni d’une simple caméra Groening se fond dans le lieu et capture la monotonie du temps, l’ascétisme d’un ordre, où le vital est réduit au minimum ; il montre l’esthétisme enfin d’une vie dépouillée et arrachée aux contingences de son époque.

Tout est lent, répétitif, sans passion si ce n’est celle qui justement doit jaillir au final de cette complète abnégation. Les cloches appellent à la prochaine prière, ânonnée, déclamée sur un son de voix monocorde, toujours semblable et sans excès. L’image enfin se fige sur un moine agenouillé; te temps de la prise de vue épouse celui de son recueillement -plusieurs minutes donc de contemplation, de médiation pure.

Une chose cependant m’a surprise, le peu de références faites à l’étude. On assiste à la répétition mécanique des tâches journalières, à la prière; on respire au rythme du silence et des longues séances de méditation ; on écoute les quelques échanges anodins durant la promenade hebdomadaire et suit le travail dédié aux besoins de la communauté. Rappelons que cette communauté est autonome et subvient à ses propres besoins. C’est là entre autres qu’est toujours concoctée par les moines eux-mêmes et selon une recette légendaire la liqueur du même nom Chartreuse (composée d’une centaine de plantes différentes et macérées selon un processus complexe, la recette est précieusement gardée par l’ordre, seul détenteur du secret de sa conception).
Cependant on cerne au cours du documentaire assez peu le rôle que joue (penserait-on du moins) l’étude des textes, des penseurs et des idées.

Les moines, à leur entrée dans l’ordre des Chartreux, s’engagent à ne pas quitter le monastère et à garder un silence total. Les exceptions à cette règle sont très peu nombreuses : une promenade par semaine (recréation communautaire) et une visite annuelle de la famille proche. Une fois par semaine ils partent donc en promenade dans la nature environnante, discutent de leur foi, de leur quotidien. L’échappée est d’autant plus marquante que le paysage coupe le souffle de beauté, tranche dans son exubérance avec la sobriété et le dénuement du monastère. Hautes montagnes encaissées, bruit enivrant d’une nature saturée de couleurs, de sons et d’odeurs, pépiement des oiseaux, bruissement des arbres, du vent, changement des saisons ; la vie s’immisce à l’intérieur des murs – elle agit par contraste.

Regarder Into Great Silence n’est pas une expérience commune. On ne regarde pas un film ou même un documentaire, mais on entre bien plutôt l’espace de quelques heures au monastère, on vit le silence – au point de se sentir parfois mal à l’aise (le silence est intimidant, car il pousse à la réflexion, à l’introspection). On cède alors à un rythme inconnu, à une perception du temps, abstraite car si loin de notre monde moderne, avide d’actions, de vitesse et de bruit. Avec ou sans croyance religieuse, on perçoit la notion de sacré, de sublime. L’expérience est fascinante, à maints aspects.

Les minutes passent ou les heures, les jours ou les années et le sourire de ces hommes, simples, silencieux et heureux nous reste, comme une image poétique et esthétique d’un temps suspendu.

Blanche alias Henriette de Mortsauf, est la femme angélique, idéalisée et associée à l’image du Lys de la vallée (la vallée c’est la Touraine bien-sur et les alentours de Saché si chers à Balzac).
Mariée, mère de famille, Mme de Mortsauf s’éprend du jeune Félix de Vandenesse mais refuse de jamais lui céder. Elle réclame tout à la fois pureté, chasteté, fidélité et obéissance. Leur amour s’épuise en bouquets, en promesses, lettres, soupirs et désirs refoulés jusqu’à ce que Félix succombe finalement au plaisir charnel dans les bras de Lady Dudley.

« L’ouragan de l’infidélité » sera fatal à Henriette et le Lys « comme trop chargé de pluie » finira par s’étioler et mourir. Ce n’est donc qu’au prix de sa vie qu’elle saura préserver sa pureté.

L’amour que voue Mme de Mortsauf à Félix, par sa force, son intransigeance et ses codes, n’est pas sans rappeler l’amour courtois du Moyen-âge.

Mais qu’entend-on par amour courtois ou encore « fine amor » ?

La « fine amor » est un idéal amoureux inventé par les troubadours au XIIe siècle. En tant que mouvement littéraire et culturel il contribue de façon essentielle à la littérature universelle.
C’est l’amour parfait ou plus exactement l’amour porté à la perfection, l’art d’aimer, l’amour par excellence. L’amour humain est sublimé en amour divin, la passion devient mystique.

Tristan et Iseut, mythe célèbre qui traverse le temps et inspire un nombre impressionnant d’œuvres d’art, illustre les thèmes chers à l’amour courtois car dans la « fine amor » il y a toujours association entre amour, souffrance et mort. Les troubadours jouent d’ailleurs volontiers avec l’homophonie qui existe entre « l’amor » et « la mort ». L’idée en soi n’est pas particulière à l’âge médiéval car elle est déjà développée chez les poètes latins comme Ovide, elle prend cependant une ampleur extrême au Moyen-âge.

Les hypothèses sont nombreuses quant à l’origine de la « fine amor» (notons qu’on garde en français moderne l’expression « fine fleur » pour exprimer un caractère de perfection, d’excellence).

On évoque généralement :

• La thèse folklorique (chansons liées au cycle des fêtes populaires et des saisons)

• La thèse cathare, développée par Denis de Rougemont dans L’Amour et l’Occident. Selon Rougemont, le lyrisme courtois serait inspiré par l’atmosphère religieuse du catharisme. Les deux mouvements sont simultanés dans le temps (naissance et mort de la « fine amor » parallèle au catharisme qui s’éteint avec la croisade contre les Albigeois entre 1209-1229). « Est-ce pure coïncidence, si les troubadours comme les cathares glorifient – sans toujours l’exercer – la vertu de chasteté ? Est-ce pure coïncidence si, comme les purs, ils ne reçoivent de leur Dame qu’un seul baiser d’initiation ? Et s’ils distinguent deux degrés dans le domnei (=relation amoureuse) comme on distingue dans l’église d’Amour les croyants et les parfaits ? Et s’ils raillent les liens du mariage, cette jurata fornicatio, selon les cathares ? Et s’ils invectivent les clercs et leurs alliés les féodaux ? Et s’ils vivent de préférence à la manière errante des purs qui s’en allaient deux par deux sur les routes ? Et si l’on retrouve enfin, dans certains de leurs vers, des expressions tirées de la liturgie cathare ? » – extrait tiré de L’Amour et l’Occident, Denis de Rougemont.

• La thèse arabe
Influence de la civilisation et poésie arabes sur la « fine amor ».

Les grands principes de l’amour courtois sont les suivants :
• souveraineté absolue de la Dame : C’est la dame qui dicte le jeu amoureux (important de relever cette caractéristique sachant que la société médiévale est profondément misogyne. L’idée de domination féminine est donc révolutionnaire et renvoie en l’inversant à la hiérarchie féodale traditionnelle. Ce n’est plus l’homme qui commande à un vassal, c’est la femme qui transforme l’homme en chevalier servant, en esclave (transposition amoureuse du pacte vassalique).
L’image de « la Dame sans merci » ou de « l’amant martyr » est reprise ensuite par de nombreux poètes. On pense notamment ici au poème de Keats intitulé La belle Dame sans merci.

• épreuves amoureuses : l’amant ne peut prétendre au titre s’il n’a pas satisfait aux épreuves destinées à tester ses sentiments.

• clandestinité : il s’agit presque toujours d’un amour adultère, la Dame est mariée.

• création poétique : l’amant est aussi le poète qui chante (cf. Troubadours, poètes de langue d’Oc, c’est à dire du sud de la Loire et Trouvères, poètes du nord de la Loire chantant en langue d’Oïl).

Le lyrisme des troubadours se répand ensuite au XIIème siècle dans toute l’Europe. Il donne naissance en Italie au Dolce Stil Nuovo (ex. poésie de Dante, de Pétrarque) et en Allemagne avec les Minnesingers (poètes musiciens qui chantent l’amour).
Le ravissement de Lol V. Stein, un titre énigmatique et plein de poésie qui coule sous la langue, s’envole plutôt et ensorcelle avant même qu’on l’ouvre. Il paraît en 1964 alors que Duras est déjà connue mais elle le sera encore plus avec L’amant en 1984 qui lui vaut enfin le Goncourt et la célébration mondiale. Lol V. Stein s’inscrit parmi une quarantaine de livres, pièces de théâtre et scénarios.
Un titre qui en dit long ou qui noie avant même qu’on se soit mouillé à l’histoire.
Le ravissement renvoie à l’extase bien sûr, l’enchantement mais aussi à la capture et l’envoûtement – il rappelle celui des saints…Lol, un nom palindrome, qui garde son mystère, qu’on le lise de droite ou de gauche, rond encerclé par deux L, gardiens vigilants qui l’empêchent de jamais en sortir, Lol, estropiée de son « a » pour Lola ou serait-ce Dolores (la souffrante) ? V. une abréviation plus radicale pour Valérie (la valeureuse) et Stein, un nom germanique, signifiant la pierre sur laquelle tombe et se referme l’intrigue. Le ravissement de Lol V. Stein, Lol est-elle celle qui est ravie ou plutôt la ravisseuse ? La structure syntaxique permet déjà de douter.

Par ailleurs avons-nous à faire à un roman, un essai, une biographie ou bien un long poème ? Rien de plus incertain malgré un début relativement traditionnel « Lol V. Stein est née ici, à S. Tahla, et elle y a vécu une grande partie de sa jeunesse ». « Ici », celui du narrateur, est S. Tahla, un endroit imaginaire, abrégé lui aussi et donc avare d’information. Il évoque un endroit balnéaire, un lieu de plaisance, vague, volontairement trouble. Le « je » de la narration est également incertain, il oscille entre l’auteur contant un récit biographique et un personnage prénommé Jacques Hold. « Hold » est celui qui retient, tente de retenir, celui qui surtout après l’auteur/narrateur prend le relai de l’histoire à raconter « Trente-six ans, je fais partie du corps médical. Il n’y a qu’un an que je suis arrive à S. Tahla. »

Selon Duras, le personnage de Lol est inspiré d’une rencontre, bien réelle, dans un asile psychiatrique, d’une femme qu’elle a suivie l’espace de quelques promenades. De là serait partie l’histoire de ce personnage auquel elle donne finalement le prénom de Lol, en pensant à l’actrice et dramaturge française Loleh Belon qu’elle admirait et voyait si bien dans le rôle.

Le livre est d’apparence facile. Le vocabulaire est simple, le style épuré. Les phrases sont courtes, presque décharnées, grattées à l’os pour ne garder que l’essentiel, une sorte de « substantifique moelle ». Derrière une apparente simplicité se révèle néanmoins une complexité que l’histoire suggère déjà.

Il s’agit d’une jeune fille, Lol V. Stein, délaissée par son fiancé Michael Richardson un soir de bal à T. Beach. Richardson a le coup de foudre pour une femme inconnue, plus âgée, d’aspect assez commun, Anne-Marie Stretter « Il était devenu différent. Tout le monde pouvait le voir. Voir qu’il n’était plus celui qu’on croyait ». Après le bal, il quitte Lol, sans explication, pour suivre Anne-Marie Stretter et le nouveau couple disparaît à jamais de l’histoire. Richardson dont la biographie est à peine évoquée, est un personnage mineur et pourtant clef puisqu’il est le déclencheur d’un séisme qui le dépasse.

Lol, fragile et blessée, ploie sous la douleur. Elle tombe dans un état de prostration et frôle la folie. Quelques années plus tard, elle paraît remise, épouse un musicien, Jean Bedford. Elle déménage pour T. Bridge (la ville de passage, ou encore le pont comme la signification du mot semble l’indiquer qui lui permet de passer de l’autre côté, de se retrouver) et a trois enfants. Elle revient finalement dix ans plus tard s’établir a S. Tahla, récupère la maison familiale et « réintroduit le même ordre glacé » qui caractérisait sa demeure de U. Bridge. Elle redécouvre le plaisir de sortir et se lance chaque jour dans de longues promenades. C’est au cours de l’une de ces sorties, qu’elle croit reconnaître dans un couple son amie d’enfance Tatiana Karl qui fut le témoin de sa jeunesse mais aussi de la fameuse soirée de bal où son destin a basculé. Tatiana est mariée à un médecin, Pierre Breugner et a un amant, Jacques Hold. Le couple adultère se retrouve régulièrement à l’Hôtel des Bois – lieu où on apprend que Lol retrouvait auparavant son fiancé.

Lol décide de renouer avec Tatiana, se fait inviter et subjugue par son étrangeté Jacques Hold – vite pris d’amour pour la jeune femme « Je désire comme un assoiffé boire le lait brumeux et insipide de la parole qui sort de Lol V. Stein ». Auréolée de mystère, du halo de pureté qui semble émaner d’elle « Elle est blanche, d’une blancheur nue », elle joue de son charme, de celui aussi qu’elle éprouve instantanément pour Jacques. Lol envoûte et étonne son entourage – le lecteur également qui peine parfois à suivre son raisonnement. Alors que l’attirance est immédiate et réciproque entre Lol et Jacques, Lol demande à celui-ci de garder Tatiana comme maîtresse et, allongée dans le champ de seigle qui fait face à l’hôtel, elle se cantonne d’épier les retrouvailles érotiques des deux amants. Jacques réalise vite ce qui se passe « Lorsque je suis allé à la fenêtre de la chambre de l’Hôtel des Bois où j’attendais Tatiana Karl (…) et que j’ai cru voir (…) une femme, dont la blondeur cendrée à travers les tiges du seigle ne pouvait pas me tromper, j’ai éprouvé (…) une émotion très violente dont je n’ai pas su tout de suite la vraie nature, entre le doute et l’épouvante, l’horreur et la folie, la tentation de crier gare, de secourir, de repousser pour toujours ou de me prendre pour toujours, pour toute Lol V. Stein, d’amour ». Il accepte tacitement les règles imposées par Lol – celles de vivre sa/leur passion dans les bras de Tatiana- devenue alors le véhicule, le paravent ou encore le filtre de leur amour. Manière de se protéger, de vivre par procuration et par le regard, une sensation sinon trop forte, voire trop dangereuse. Faire l’amour à Tatiana revient alors pour Jacques à faire l’amour à Lol « Il cache le visage de Tatiana Karl sous les draps et ainsi il a son corps décapité sous la main, à son aise entière».

Lol est insaisissable « cette femme vous fuit dans les mains comme l’eau » dit Jacques. Serait-elle une sirène ou simplement une presque-noyée dont la survie ne tient qu’aux lieux évoquant les stations balnéaires ou la mer : T. Beach », « S. Tahla », « U bridge » ? Celle qui a T. Beach lors du bal subit son destin, fait maintenant subir, elle choisit, impose, décide et au final manipule. Une seule fois, elle se donne à Jacques, dans le train qui les mène à l’endroit du bal – pèlerinage imposé, sorte de retour sur le lieu du crime qui permet de revivre, de se réapproprier son passé et par la même de l’effacer. Il n’en demeure pas moins que les visites à l’Hôtel se poursuivent alors que Jacques Hold, envoûté, ravi ou disons plutôt sous l’effet du ravissement, reconnaît son impuissance à faire marche arrière « J’ai trop d’amour pour cette forme dans le champ, désormais, trop d’amour, c’est fini ».

Le psychanalyste Jacques Lacan, fasciné par Le ravissement de Lol V. Stein, aurait dit « Duras ne doit pas savoir ce qu’elle écrit, sinon elle se perdrait et ce serait la catastrophe ».

Les niveaux d’ interprétation sont effectivement nombreux, on peut s’arrêter sur une simple histoire d’amour déçu, de difficultés à accéder au bonheur, de voyeurisme, ou bien y voir les possibles gouffres de la conscience, les chemins labyrinthiques de l’âme humaine, particulièrement quand un sentiment aussi violent que l’amour soudain l’investit.
Le texte n’est pas très long, le vocabulaire est facile, les phrases sont généralement courtes ; le livre semble cependant être plein de codes que l’on déchiffre à chaque relecture. La beauté jaillit de la mélodie des mots, des répétitions qui rythment les paragraphes, des inversions inattendues, de la structure souvent elliptique du texte, de l’étonnement enfin ressenti devant l’intensité des propos « de son corps infirme de l’autre elle crie, elle attend en vain, elle crie en vain » et devant l’agrandissement de ce qui souvent au premier abord paraît banal « Jacques Hold – Virginité de Lol prononçant ce nom! (…) Pour la première fois mon nom prononcé ne nomme pas ».

Le ravissement de Lol V. Stein, un livre donc à la hauteur de ce que Duras dans un entretien tentera d’expliquer par le concept de livre libre « Ce que je reproche aux livres en général, c’est qu’ils ne sont pas libres. Ce sont des livres charmants, sans prolongement, sans nuit, sans silence. Autrement dit, sans véritable auteur. Des livres de jour, de passe-temps, de voyage. Mais pas des livres qui s’inscrivent dans la pensée et qui disent le deuil noir de toute une vie, le lieu commun de toute pensée ».

«Pourquoi ne pas payer pour dégrader la langue française, qui est bien à peu près le seul trésor qui nous reste ?» le bon mot est de Jean Dutourd, romancier et essayiste, décédé le 17 janvier dernier – un clin d’œil amusant pour rappeler l’académicien, connu pour sa verve volontiers provocatrice et son roman populaire Au bon beurre, mettant en scène durant l’Occupation la vie d’un couple de crémiers peu scrupuleux.
Faire payer une taxe à ceux qui maltraitent la langue de Molière, un moyen aussi farfelu qu’efficace de devenir riche.
Qui n’a pas perdu un être cher, qui n’a pas fait l’expérience du vide, du manque, de l’incompréhension, de la colère et du désespoir liés à la perte de l’autre, celle du parent, de l’ami, de l’amant.
La douleur est complexe, impalpable et pourtant bien concrète ; elle est pleine de facettes biseautées qui tranchent dans le vif. C’est un tourbillon qui renverse, un ouragan qui écrase sous sa violence, puis que suivent des moments de répit, juste assez pour reprendre la force de souffrir à nouveau, pleinement. Son parcours n’est pas linéaire, il est imprédictible et ne connaît de temps que le sien propre. On s’accroche donc, espère que l’assaut cette fois sera bref. Les destins sont uniques, les souffrances individuelles et la gestion du manque diffère selon chacun; cependant le chant reste universel et l’expérience n’est épargnée à personne. « Attendez un peu, quand votre tour viendra, d’être l’endeuillé. Ou le mort » lance Cohen à son lecteur.

Alors, on s’interroge, se remémore, reconstruit, se réapproprie un passé qui ne saura plus jamais basculer dans un autre temps.

Cohen dans Le livre de ma mère, comme Barthes dans Journal de deuil, fait l’expérience du deuil, celui de sa mère – celle qui était la source et dont l’existence en conséquence n’était jamais remise en question. Jusqu’au jour où elle n’est plus et où le sentiment d’abandon le renvoie à sa propre finitude « Ton enfant est mort en même temps que toi. Par ta mort, me voici soudain de l’enfance à la vieillesse passée ».

La mère de Cohen revit à travers les souvenirs de l’auteur. Sa personnalité se profile au fil des images qui surgissent du passé. Elle n’est jamais nommée, car elle n’existe que dans son rôle de mère, dans son rapport au fils. Cohen nous la présente d’abord comme une jeune fille bien en chair, modeste et timide qui se marie sans inclination mais par conviction, certaine de découvrir l’amour, le vrai, avec le temps et les habitudes « Le vrai amour, veux-tu que je te dise, c’est l’habitude, c’est vieillir ensemble ». Elle semble rester éternellement cette « petite fille (…) maladroite, débutante (…) rougissante, confuse, exposée, souriant de gêne d’être vue à distance et observée trop longuement». Une fois mère elle se dévoue entièrement à son mari et son fils unique. Lorsqu’Albert a cinq ans la famille quitte l’île de Corfou pour Marseille. Leur apparence, leur culture et leur accent les rendent différents des autres. Le manque d’instruction et le caractère introverti de sa mère contribuent aussi à la marginaliser. Le bonheur se limite alors pour elle aux murs de l’appartement et aux deux hommes qui l’habitent. Albert apprend le français et rejoint une école catholique malgré sa religion juive. A dix-huit ans il quitte la famille et part étudier à Genève. Finalement, la mère de Cohen meurt, seule durant l’Occupation, alors que celui-ci se trouve à Londres.

Au cours du texte l’auteur cherche à reconquérir l’être qu’il n’a selon lui pas assez chéri de son vivant, il écrit ses lignes comme une confession, une prière, servant tout à la fois à le déculpabiliser, le reconstruire en tant qu’individu et à immortaliser l’image sacrée de la mère.

Les allusions à Belle du Seigneur sont nombreuses notamment lorsque l’auteur cherche à détruire le mythe de la passion occidentale. On retrouve ici la même obsession du péché, de dilemme qui oppose l’amour sensuel/sexuel à l’amour maternel/biblique.

Le vrai amour selon Cohen ne se situe pas dans le désir, dans l’excès mais bien plutôt dans la soumission et le dévouement. C’est l’amour raisonnable/raisonné du couple tout d’abord puis enfin l’amour filial, ce paradis pur et désintéressé où aucun masque n’est nécessaire pour plaire, où il suffit d’être, en tant qu’enfant, pour que les sentiments soient. « Amour de ma mère, à nul autre pareil » scande-t-il à chaque nouveau paragraphe. Comme dans Belle du Seigneur, et de coutume sous la plume de Cohen, le style est incantatoire ; apostrophes et répétitions rappellent la prière, la lecture devient une psalmodie « Ô toi, la seule, mère, ma mère et de tous les hommes, toi seule, notre mère, mérites notre confiance ».

La mère n’a de cesse que le bonheur de son fils, elle vit à travers ses yeux et sa reconnaissance. Idéalisée après sa mort elle devient « la majesté de l’amour, la loi sublime, un regard de dieu ». Que dire alors des amantes de passage (« Atalante ensoleillée»), attirées par la beauté, la force, la jeunesse, quand on les compare à cette figure de mère, toujours présente, vestale fidèle, dont l’amour grandit au contact des grandeurs mais aussi des faiblesses de son fils.

Cohen passe en revue les couples mythiques, Roméo et Juliette, Hamlet et Ophélie, Laure et Pétrarque, et démonte avec cynisme et non sans humour les ressorts de la passion et de la séduction. « Si le pauvre Roméo avait eu tout à coup le nez coupé net par quelque accident, Juliette, le revoyant, aurait fui avec horreur. Trente grammes de viande de moins, et l’âme de Juliette n’éprouve plus de nobles émois » ou encore «Si Hamlet avait, à la suite de quelque trouble hypophysaire, maigri de trente kilos, Ophélie ne l’aimerait plus de toute son âme. L’âme d’Ophélie pour s’élever à de divins sentiments à besoin d’un minimum de soizante kilos de biftecks » ou enfin « Il est vrai que si Laure était devenue soudain cul-de-jatte, Pétrarque lui aurait dédié de moins mystiques poèmes. Et pourtant, la pauvre Laure, son regard serait resté le même et son âme aussi. Seulement, voilà, il lui faut des cuissettes à ce monsieur Pétrarque, pour que son âme adore l’âme de Laure ».
Dans ce conflit permanent entre corps et âme, c’est bien toujours le corps qui l’emporte et malgré les quelconques apparences ou déclarations.

Comment dans ce contexte ne pas se reprocher d’avoir préféré ces « jeunes chasseresses aux longues cuisses » au plaisir unique et pur d’être avec sa mère ? Cohen est dévoré par un sentiment de culpabilité, qui va jusque dans le vouloir survivre: « Ma mère est morte mais j’ai faim et tout à l’heure, malgré ma douleur, je mangerai ». Il ne supporte également pas l’idée qu’un jour cette perte soit banalisée par le temps et donc mieux acceptée.

Cohen ainsi que Barthes tentent à travers l’écriture de surmonter le deuil qui les touche, l’un par une déclaration d’amour à un être maintenant transformé en déesse de la maternité, l’autre sous forme de journal de bord, commencé au lendemain de la mort de la mère, après la « première nuit de deuil » (Barthes)- observations cliniques d’un état, réflexions en vrac sur la désappropriation et le chagrin face à une situation sans issue.
On est souvent surpris par la similitude du propos, par les échos d’un texte à l’autre. On retrouve chez Barthes le même sentiment d’abandon «Beaucoup d’êtres m’aiment encore, mais désormais ma mort n’en tuerait aucun (…) je n’ai plus de refuge », même prise de conscience de sa propre finitude «Maintenant que mam. est morte, je suis acculé à la mort », même changement perceptif du quotidien « Maintenant partout, dans la rue, au café, je vois chaque individu sous l’espèce du devant-mourir, inéluctablement, c’est-à-dire très exactement du mortel », même culpabilité devant ces « bouffées de vie » entre les coups de chagrin, même peur de la souffrance qui passe « voir avec horreur comme simplement possible le moment où le souvenir de ces mots qu’elle m’a dit ne me feraient plus pleurer », même répétitions au cours du texte pour se persuader de la disparition « elle n’est plus, elle n’est plus » et même besoin enfin d’écriture pour vaincre l’oubli, pour à travers les mots se réapproprier une identité « Ecrire pour se souvenir ? Non pour me souvenir (…) Nécessité du Monument « Memento illam Vixisse » (souviens-toi que celle-là a vécu). »
Une exposition est consacrée à l’œuvre de Louise Bourgeois sur Eugénie Grandet et la fascination que lui inspire ce personnage balzacien.
Elle se déroule à la maison de Balzac jusqu’au 6 février 2011, 47, rue Raynouard, Paris 16e.
Artiste et sculpteur franco-américaine, Louise Bourgeois est morte à New York en mai dernier à l’age de 98 ans alors qu’elle venait d’achever un travail sur l’héroïne de Balzac. Célébrée au niveau mondial elle est surtout connue pour ses sculptures géantes, très empreintes d’éléments autobiographiques et psychologiques. L’œuvre qui vient à l’esprit de tous est probablement l’araignée d’acier gigantesque intitulée Maman et réalisée en hommage à sa mère, celle qui tisse les liens, symbolise la grandeur, la force et de façon ultime celle qui protége.

Parce que la figure d’Eugénie, étouffée puis finalement brisée par un père dominateur, lui rappelle douloureusement la sienne, l’artiste s’identifie au personnage et retravaille son propre passé, ses blessures, à travers gravures, peintures, compositions et petites pièces de broderie.

La maison musée de Balzac située dans le seizième arrondissement, étroite et sombre, souligne avec justesse le sentiment d’oppression, de solitude et de mélancolie évoqué par la vie d’Eugénie et illustré par les œuvres de Bourgeois.

La seconde partie de Suite Française intitulée Dolce commence quand les Allemands arrivent à Bussy pour occuper le bourg et pour prendre quartier chez l’habitant. Chaque famille est obligée de loger un officier allemand et les Angellier se préparent à recevoir le leur mettant « sous clef les papiers de famille, l’argenterie et les livres ».
Cette partie est composée de vingt-deux chapitres, elle est donc moins longue que la première intitulée Tempête (trente et un chapitres et de nombreuses familles). L’histoire se présente sous forme de deux grands tableaux autour des couples suivants :
• Lucile Angellier et Bruno von Falk
• Madeleine et Benoît Sabarie / (Bonnet)
Tous les autres personnages qui gravitent autour de ces deux couples occupent une position subalterne dans le roman.
L’histoire développée autour du premier couple retiendra notre attention sachant aussi qu’elle rappelle un autre roman très connu de l’époque sur le thème de la résistance face à l’occupation allemande. Il s’agit du Silence de la mer de Vercors.
Devant la menace de l’occupant les dames Angellier, la mère et Lucile, la femme de Gaston Angellier (prisonnier en Allemagne) cachent leur bien, ôtent de leur demeure tout le confort possible ne laissant « dans la pièce que le strict nécessaire : pas une fleur, pas un coussin, pas un tableau ». L’état de guerre entre les habitants et leur futur hôte est donc campé d’entrée.
Chaque début de chapitre or plus exactement première phrase résume parfaitement, dans cette partie comme dans la précédente d’ailleurs, le chapitre à venir (technique de l’auteur). « Chez les Angellier, on mettait sous clef les papiers de famille, l’argenterie et les livres ». L’expression « chez les » suivi d’un nom de famille est chère à Némirovsky et rappelle celle de Tempête « chez les Péricand », « chez les Michaud » etc. Il s’agit de montrer l’histoire de la France en 1941, d’un pays ou plus précisément de la communauté, à travers des destins individuels, celui de personnages que l’auteur nous donne à connaître « Ne jamais oublier que la guerre passera et que toute la partie historique pâlira. Tâcher de faire le plus possible de choses, de débats… qui peuvent intéresser les gens en 1952 ou 2052 » note Irène le 2 juin 1942 en pleine rédaction du roman.

A la différence des familles françaises désignées par leurs noms ou prénoms et à l’exception des portraits de « Bruno von Falk » et «Bonnet » (l’autre officier allemand) l’ennemi est rarement vu en tant qu’individu personnalisé. Il est désigné de façon générale par « les Allemand », « les soldats » ou bien encore « l’officier allemand ». L’occupant est donc appréhendé en tant que masse, puissante et neutre.

Il est néanmoins intéressant et surprenant de constater que les Allemands sont toujours décrits comme de jeunes héros, beaux, jeunes, cultivés et attirants « très jeunes ; ils avaient la peau vermeille, des cheveux d’or ; ils montaient de magnifiques chevaux, gras, bien nourris, aux larges croupes luisantes » ou encore « Les galons d’argent sur leurs uniformes, leurs yeux clairs, leurs têtes blondes, les plaques de métal sur leurs ceinturons brillaient au soleil et donnaient à cet espace poussiéreux devant l’église, enfermé entre de hauts murs une gaieté, un éclat, une vie nouvelle ». Figures irréelles et inaccessibles ils représentent le danger voire le mal sous une apparence attirante et dérangeante car ambiguë.
Au portrait peu élogieux du mari Gaston « cet homme gras et ennuyé, passionné seulement par l’argent, les terres et la politique locale » qui « avait cet aspect de maturité précoce que donne au provincial son existence sédentaire, la nourriture lourde et excellente dont il est gavé, l’abus du vin, l’absence de toute émotion vive et forte » s’oppose dans les yeux de Lucile, subjuguée, celui du bel Allemand, Bruno von Falk «jeune, maigre, avec de belles mains et de grands yeux. Elle remarqua la beauté de ses mains (…) il joua sur le visage sur le visage à la peau vermeille, éventée par le grand air et duveteuse comme un beau fruit d’espalier. La pommette était haute, d’un modèle fort et délicat, la bouche coupante et fière.».

Lucile, mal mariée et épousée seulement pour sa dote, ne reste donc pas insensible au charme et à l’élégance de l’officier allemand. Elle se laisse vite aller à rêver « …il jouait. Elle écouta, baissant le font, mordant nerveusement ses lèvres (…) Lucile resta longtemps immobile, son peine à la main, ses cheveux dénoués sur ces épaules ».

L’attirance va croissante de part et d’autre pour finalement aboutir à une déclaration « Madame, après la guerre je reviendrai (…) Je sonnerai un soir à la porte. Vous m’ouvrirez et vous ne me reconnaîtrez pas, car je serai en vêtements civils. Alors, je dirai : mais je suis…l’officier allemand…vous rappelez-vous ? C’est la paix maintenant, le bonheur, la liberté. Je vous enlève. Tenez, nous partons ensemble. Je vous ferai visiter beaucoup de pays. Moi, je serai un compositeur célèbre, naturellement, vous serez aussi jolie que maintenant… ».

Un long dialogue entre Lucile et Bruno von Falk permet au lecteur d’assister de façon plus intimiste à l’évolution de leur relation. Le chapitre/dialogue consacré à leur histoire est d’ailleurs clef à maints égards :
• Il commence par la lettre des Michaud permettant ensuite de relier par les personnages les deux parties : Tempête et Dolce

• Il donne une description détaillée des deux personnages (se racontant l’un l’autre leur histoire)

• Il apporte une réflexion sur la musique (composition de l’œuvre musicale à rapprocher de la composition du roman lui-même / cf. 5e symphonie de Beethoven et première entrée blog intitulée « Un auteur qui renaît de ses cendres »)

• Il éclaire de nouveau le concept de destin individuel face au destin communautaire (sur lequel repose toute la composition du roman)

• Il permet au lecteur d’assister à la scène amoureuse du couple principal sur lequel repose l’intrigue de Dolce.

• Il se trouve enfin plus ou moins au milieu de cette seconde partie, donc en position charnière.

En lisant Dolce et particulièrement l’histoire de Lucile et Bruno Von Falk on pense à celle de Vercors dans Le silence de la mer. L’auteur Vercors, pseudonyme de Jean Bruller (1902-1991), rédige dans ce court roman un plaidoyer contre la barbarie hitlérienne. Il met en scène une famille française (un oncle et sa nièce) et un officier allemand (Werner von Ebrennac) que la famille est obligée de loger durant l’occupation allemande. Comme le titre du roman l’indique, l’importance est mise sur le silence, implacable de la nièce face à l’officier et ce malgré son amour naissant. Le silence devient l’arme de la résistance et symbolise la dignité de la France face à l’occupation. C’est aussi une étendue calme comme la mer, mais où la tempête des passions humaines peut se déchaîner à tout moment (notez l’expression « se méfier de l’eau qui dort »).

La similarité entre les deux histoires laisse penser qu’Irène Némirovsky avait lu le récit de Vercors, rédigé en octobre 1941 et publié en février 1942, alors qu’elle rédigeait Suite française.

Les rapprochements entre Le silence de la mer et Dolce sont nombreux:

• Un officier allemand est assigné à résidence dans une famille française.

• Les deux officiers font partie de l’élite et leurs noms dénotent déjà leur appartenance à une certaine classe (Werner von Ebrennac/Bruno von Falk).

• Ils sont tous les deux très bien éduqués et maîtrisent parfaitement le français connaissant et appréciant autant la littérature que la culture françaises.

• Ils font preuve de politesse et d’un profond respect envers la famille d’accueil déplorant la guerre et ses conséquences.

• Ils sont jeunes, grands, musclés ; ont de beaux yeux et de grandes mains.

• Toutes les descriptions liées aux Allemands sont élogieuses et empruntes d’un certain romantisme/idéalisme.

• Werner comme Bruno sont musiciens (pianistes) et compositeurs talentueux.

• Ils jouent du piano dans les maisons respectives et par la même impressionnent leurs hôtes.

• Ils fuient le froid et la solitude de leurs chambres pour venir se réfugier auprès du feu familial.

• L’un comme l’autre tombent amoureux de la jeune fille de la maison (Werner de la nièce et Bruno de Lucile).

• La présence des officiers devient obsédante pour la maison entière toute à l’écoute des bruits qui dénoncent leur présence.

• Ils se confient tous les deux et racontent leurs vies en Allemagne.

• Ils partent à la fin pour le front russe, ne laissant guère d’espoir sur leur avenir.

• Le style qui permet de camper l’occupant est similaire « L’Allemand » désignant les personnages avant tout par leur nationalité et les étiquetant d’emblée comme ennemis.

Les différences se jouent autour de la réaction des deux jeunes filles :

• La nièce ne cède jamais aux avances de Werner, ne laissant échapper à la fin de l’histoire qu’un faible « adieu ».

• Il n’y a entre la nièce et Ebrennac pas de dialogue. Werner est seul à parler et le silence l’entoure.

On sait que Némirovsky avait pensé développer et étendre les liens entre la première et la seconde partie de son roman. Elle prévoyait aussi cinq parties à Suite française qui hélas n’en verra que deux, la rédaction s’arrêtant de façon abrupte en juillet 1942 alors que l’auteur est déporté pour le camp d’extermination d’Auschwitz.